lunedì 9 ottobre 2006 / ore 18.00
Napoli, Feltrinelli (Piazza dei Martiri)

presentazione del libro
Frammenti d’immagine
Scene, schermi, video per una sociologia della sperimentazione
(Liguori Editore, collana Mediologie)

di Alfonso Amendola

ne discutono
Sergio Brancato, Vittorio Dini, Gino Frezza, Annamaria Sapienza

a seguire antologia di video frammenti sulla giovane scena videoteatrale
napoletana:

• Piccola Officina di Teatro
• Tommaso Tuzzoli
• Mald’è
• Eu.Ca.
• Max Coppeta
• Enzo Mirone

Gerardo Di Salvatore e Luigi Ballarin alla prima Biennale di Lecce

inaugurazione 1 ottobre 2006 ore 20.30 presentazione a cura del prof. bernard hickey | a cura di raffaele de salvatore | associazione culturale la chimera | lecce


Nel periodo in cui insegnavo Letteratura Australiana all'Università Cà Foscari di Venezia, ero anche il delegato australiano per la Biennale di Venezia.
Ritengo dunque un grande onore collaborare con "La Prima Biennale d'Arte Italiana" che si terrà a Lecce e che seguirà le orme della più antica e prestigiosa istituzione artistica e culturale del mondo: "La Biennale di Venezia".
Essa infatti fu fondata nel 1895, e nel 2007 festeggerà la sua 52ª edizione. Riguardo il progetto promosso dalla Galleria Metropolitan di Lecce ho apprezzato diversi aspetti. Per prima cosa ho constatato con piacere che a questa iniziativa hanno aderito artisti provenienti da diverse zone d'Italia( anche da Venezia e questo mi fa doppiamente piacere). Ciò è molto importante, perché incentivare la comunicazione è il segreto per far progredire l'arte italiana.
Un altro aspetto che mi ha colpito positivamente è stato il voler includere nell'ambito della Biennale d'Arte Italiana, anche artisti stranieri che ormai da tempo vivono e creano le proprie opere d'arte in Italia ...
A testimonianza di questa volontà d'integrazione, vi è poi l'idea della Galleria Metropolitan di guardare verso altri modelli di Biennale come quella di San Paolo e della lontana Sydney. Ho apprezzato anche l'idea di dare un carattere itinerante a questa Biennale. Il progetto è di partire da Lecce per poi spostarla in diverse parti d'Italia coinvolgendo magari anche altre gallerie o associazioni culturali.

Bernard Hickey

Prima Biennale D'arte Contemporanea Italiana. Contenitore d'Emozioni
Dal 1 al 31 ottobre 2006
Catalogo edito da Anna Maria Gentile Edizioni
Associazione culturale La Chimera
Piazzetta dei Mocenigo, Lecce
lachimera@interfree.it
Dir.artistico Raffaele De Salvatore
Cell. +39 3296296763
www.italyeye.it
www.gerardodisalvatore.it
www.luigiballarin.it

Un'asta d'arte moderna e una d'arte contemporanea. Da Stadion a Trieste

esposizione da venerdì 6 a martedì 10 ottobre | stadion | trieste


Abate, Agnetti, Appel, Arakawa, Berghuis, Biggi, Bradley, Burri, Celiberti, Cesar, Colombo, Cotani, Crali, Dagley, Dahn, Damisch, Di Bello, Dine, Finzi, Griffa, Haka, Isgrò, Jaquet, Kirili, Laloy, Lewitt, Licata, Mambor, Man Ray, Masson, Nannucci, Nigro, Ongaro, Ontani, Paolini, Parmiggiani, Penck, Prini E., Salvo, Schifano, Severini, Tagliaferro, U Fan Lee, Verna, Vostell, Zorio .

Asta 11 ottobre 2006, ore 20,30
Esposizione da venerdì 6 a martedì 10 ottobre
Oraio: 10.00 - 13.00 15.30 - 19.30
mercoledì 11 ottobre 10.00 - 13.00
Stadion
riva Nazario Sauro 6a, Trieste
tel. 040/303219 / fax 040/311122
Catalogo on line www.stadionaste.com
info@stadionaste.com

Sesta edizione del Festival di cinema sperimentale e video arte a Torino

concorso internazionale di videoarte, cinema sperimentale e underground, video singoli, progetti di video performances, progetti di videoinstallazioni | dal 20 al 25 ottobre 2006 | orsa | torino


Torna dopo alcuni anni di pausa il festival di cinema sperimentale e video arte organizzato dall'ORSA (Organizzazione per la Ricerca in Scienza e Arti) di Edoardo Fadini. Golem Videofestival presenta dal 20 al 25 ottobre 2006, a Torino, la sua sesta edizione.
Il festival dedica, accanto alla proiezione di importanti film e video dell'avanguardia cinematografica italiana ed internazionale, uno spazio importante anche alla nuova produzione, nella certezza che solo attraverso l'offerta di visibilità alla ricerca si possano scoprire i germi di una nuova sperimentazione stilistica e formale.

L'ultimo giorno del festival, il 25 ottobre 2006 sarà dunque dedicato alla visione dei lavori selezionati attraverso un concorso, dedicato esclusivamente a quegli artisti che utilizzano o realizzano progetti per immagini in movimento, statiche o di pura proiezione di carattere chiaramente sperimentale.
Le opere considerate non hanno limiti di durata, possono essere video così come progetti più complessi quali performances e installazioni. Sono ammesse anche opere documentaristiche, di vita, di paesaggio, di riferimento a opere visive e artistiche in genere.

Possono partecipare al concorso video o progetti realizzati da un singolo artista o da un gruppo misto senza distinzione di nazionalità. I video e la parte video relativa ai progetti di performances e installazione devono essere presentati esclusivamente in formato digitale (DVD). Per partecipare al concorso è obbligatorio inviare entro il 15 ottobre 2006 la scheda di iscrizione (disponibile sul sito www.associazioneorsa.com).

Inaugurato nel 1998 con la collaborazione del Museo Nazionale del Cinema di Torino, l'anno dopo portato alla GAM - Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino, allargando le sue collaborazioni agli atenei di Torino, Genova e Pisa, Golem è stato il primo spazio in Italia capace di realizzare un percorso di analisi e divulgazione sui più nuovi linguaggi della sperimentazione audiovisiva. La morte di Carmelo Bene, nume tutelare e ispirazione del festival, ha segnato una cesura dalla quale il festival emerge quest'anno rafforzato nello spirito e nella volontà di dare spazio alla sperimentazione e alla creatività che utilizza per esprimersi il video e le più nuove tecnologie.
Da più di trent'anni i creativi si sono impossessati di meccanismi e dispositivi sofisticati, il video e il computer innanzitutto, utilizzandoli come materiale plasmabile, dapprima secondo itinerari distinti e poi con interazioni sempre più fitte. Neologismi come videoarte, computerart, arte cibernetica, realtà virtuale, arte multimediale, digitale, interattiva, oggi semplicemente "arte elettronica", si sono diffusi da alcuni decenni nel linguaggio degli artisti, della critica e del pubblico: Golem è lo spazio di chi vuole scoprire, divulgare, trarre ispirazione dalla sperimentazione e dalle innovazioni di questi nuovi linguaggi. Il festival traccia un percorso che parte dalle grandi avanguardie cinematografiche del secolo scorso per arrivare ai giorni nostri e allargare lo sguardo verso il futuro: dagli archivi dell'ORSA, frutto del lavoro di tutta una vita e della funambolica esperienza culturale dello stesso Fadini, tesoro unico nel panorama italiano, escono in occasione di questo prezioso festival pellicole, video e contributi rarissimi di tutto il periodo del New American Cinema. La grande stagione del cinema sperimentale statunitense da Jonas Mekas a Stan Brakhage, da Kenneth Anger a Bruce Baillie, da Jerome Hill a Robert Mailer e Gregory Markopoulos. Uno sguardo sull'esperienza che negli anni '60 e '70 ha messo in discussione categorie formali e modi di vita attraverso una guerra dichiarata al cinema hollywoodiano. Ma non solo: Golem approfondirà l'esplorazione della grande avanguardia cinematografica con due retrospettive sui maestri Andy Warhol e Bill Viola. Warhol con la sua Factory sembrava voler produrre un cinema autosufficiente, a ciclo completamente chiuso: produzione, proiezione, e distribuzione; Viola - considerato uno dei più grandi video artist viventi - esplora la potenza dell'immagine attraverso moderne installazioni, studi di movimento e ambiente, rielaborazioni in elettronica di grandi opere d'arte. I progetti cinematografici di questi due maestri hanno aperto la via a una enormità di sviluppi, sia in campo filmico che in campo artistico. E se oggi parlare di arte contemporanea spesso significa parlare di video arte, o di interazione fra immagini in movimento e altri media, ecco che Golem cerca di indagare l'oltre del cinema: l'impatto delle nuove tecnologie fra fine '900 e nuovo millennio. Experimental cinema sarà una panoramica sui recenti e sempre più accelerati progressi delle nuove tecnologie di ripresa, di proiezione e diffusione: il video come forma duttile e capace di superare sul piano produttivo il cinema su pellicola. Sono le tecnologie, principalmente elettroniche, a dettare le future forme dell'arte nelle sue dimensioni maggiori.

L'ultimo giorno di festival sarà dedicato alla visione dei lavori selezionati per il concorso per video artisti emergenti, videoperformance e progetti di videoinstallazioni. Un concorso dedicato agli artisti italiani che utilizzano il linguaggio per immagini i cui vincitori riceveranno un premio in denaro e la possibilità di realizzare una coproduzione con l'ORSA.

Golem Videofestival
Dal 20 al 25 ottobre 2006
Il festival si svolgerà nella sede dell'ORSA
Via Botero 15 a Torino
ingresso gratuito
Orario: tutti i giorni, a partire dalle ore 16,30 e fino alle 23,30 proiezioni nella sala grande, mentre nella sala archivio saranno allestite cinque video postazioni per libera consultazione degli immensi video archivi dell'ORSA.
Info:
Tel 011 7640150
associazioneorsa@libero.it
www.associazioneorsa.com

Terra di Babilonia entra >>
ha raggiunto il titolo di
Sito Eccellente
al Premio Web Italia 2006 nella categoria "Sito dell'Anno".

L'idea nasce dalla ricerca sulla "fruibilità" della scrittura e sulla riflessione che immagine e musica approdano ad un territorio sensibile di intensità diversa dalla parola "scritta". Questo esperimento mira nel trasporre la "magia" del verso poetico nei colori della scena, nella voce dell'attore, nell'atmosfera della musica. La srittura esplora territori di altri linguaggi. Fondamentale infine l'interazione con l'utente, artefice del risultato delle possibili soluzioni. Seguendo la logica del non definito segno di un prodotto mutevole che si offre in tutte le sue possibili sfaccettature nel segno di una narrazione sempre nuova.

Seconda edizione per la fiera mercato d'arte contemporanea ad Agrigento

dal 5 al 9 ottobre 2006 | palacongressi | agrigento


Dopo il successo di pubblico e di critica ottenuto lo scorso anno, torna, per la sua seconda edizione, "Agrigento Arte 2006" la prestigiosa fiera mercato d'arte contemporanea che, nella splendida struttura del Palacongressi di Agrigento, troverà la sua interessante dimora nel periodo compreso tra il 5 e il 9 Ottobre 2006.
Interamente dedicata alle arti figurative, "Agrigento Arte 2006" si porrà come punto di snodo all'interno dei circuiti artistici italiani e come luogo di scambio tra artisti e gallerie, tra mondo del collezionismo e quello del giornalismo di settore.
Destinata ad incrementare di visibilità, sia per la qualità che per la quantità di stimoli propositivi, "Agrigento Arte" diviene una strategia di promozione, orientata alla valorizzazione del patrimonio d'arte contemporanea; le gallerie e gli artisti, infatti, avranno la possibilità di proporre i linguaggi della propria arte ai visitatori e alla critica, oltre che trovare un continuo momento di confronto e di sviluppo delle proprie idee.
Alla manifestazione, come da regolamento, potranno partecipare gallerie d'arte, case editrici, associazioni, enti che operano in settori attinenti lo scopo e l'essenza del progetto.
Per l'edizione 2006 la consulenza artistica è stata affidata al prof. Francesco Gallo docente di Storia dell'Arte all'Accademia di Belle Arti di Napoli, direttore del corso di laurea per Progettisti di Moda dell'Accademia di Palermo nonché Consulente della Mondadori per il Catalogo dell'arte moderna. Al suo curriculum si aggiungono una produttiva collaborazione giornalistica e una eccellente produzione saggistica. Ha parlato di architettura e urbanistica pubblicando "Arte grande, grande città e Lo stile del novecento". Un vero e proprio vulcano di idee alle prese con diversi progetti, tra cui "Artes Conversazioni sull'arte Contemporanea".
Secondo il consulente artistico dell'edizione 2006, Agrigento Arte si proietta nel vivo della contemporaneità artistica di una città che di per sè è straordinaria per storia, monumenti, tradizione e ambiente. Un insieme di modi efficaci, insomma, per promuovere il dialogo tra gli operatori del settore e il vasto pubblico e per contribuire alla crescita della cultura visiva come premessa fondante di una viva partecipazione alle dinamiche dell'arte e dell'economia ad essa legata, che ne favoriscano la conoscenza e la valorizzazione.
Lo straordinario fermento che anima Agrigento e la Sicilia nel settore delle arti figurative oltre che nelle più diverse creatività culturali, sono stati il presupposto di base per far nascere ed alimentare l'idea di un evento capace di focalizzare l'interesse del mondo artistico su questa città quale luogo di incontro, confronto e arricchimento. "AgrigentoArte"si pone al centro di queste motivazioni, ma non vuole connotarsi come contenitore meramente elitario, ma, al contrario, come vero luogo d'incontro tra artisti, galleristi e pubblico, in una interazione che si fa veicolo di promozione culturale e sociale. Non la classica fiera commerciale, ma un'oasi nella quale dissetare il desiderio di conoscere e apprendere i sentieri dell'arte.
Nell'ambito della manifestazione "Agrigento Arte 2006" si inseriscono, inoltre, tre interessanti iniziative collaterali. Si tratta del 1° raduno di Writers, artisti di strada che con estrema bravura realizzeranno murales ispirati a tematiche sociali e sentimentali.
L'uso combinato di spray colorati darà vita a disegni spettacolari. Il meeting internazionale dei cosiddetti "graffitari" prevede il raduno di almeno sei qualificati team provenienti da varie regioni d´Italia e la partecipazione come ospiti d´onore di uno dei più famosi team spagnoli, i "GoldXpression". Gli artisti avranno a disposizione oltre 60 metri di parete artificiale, montata sul marciapiede davanti all'ingresso del Palacongressi. Il team comincerà a lavorare la mattina di Sabato 7 Ottobre per finire il prodotto la sera della giorno conclusivo. Il 1° Raduno Internazionale di Writers rappresenta una delle novità più interessanti ma non è l'unica "chicca" della manifestazione.
Altri due sono gli eventi meritevoli di attenzione: il "1° Simposio di sculture di sale" e la mostra di artisti spagnoli provenienti dalla regione dell'Aragon. Il simposio di scultura prevede la partecipazione di almeno sei qualificati artisti che in estemporanea, davanti al pubblico, scolpiranno alcuni blocchi di sale di circa un metro d'altezza prelevati dalla miniera di salgemma di Realmonte. I pezzi informi, dai quali gli artisti ricaveranno opere d´arte di suggestiva bellezza, verranno collocati nel piazzale adiacente l'ingresso principale del Palacongressi. Anche il simposio sarà confezionato entro la giornata conclusiva.
La mostra d'arte contemporanea "AgrigentoArte 2006" accoglie nei suoi spazi, qualificati artisti e delegazioni culturali della regione spagnola; un ideale completamento dell'idea di scambio che la fiera vuole promuovere.

Agrigento Arte
Dal 5 al 9 ottobre 2006
Organizzazione, Informazioni e Prenotazioni:
Centro Studi Erato
Via Matilde Serao, 6 - 92100 Agrigento
Tel. (+39) 0922.60.61.67 (orari: 14-16 20-22)
Cell.: (+39) 329.54.60.822
info@agrigentoarte.it
Collaboratore: Reno Marchese
Cell. 349.37.44.896 oppure 091.676.4297
Responsabile Cultura: Nello Basili - Cell. 329.54.60.822 Ufficio stampa : Deborah Annolino - Cell. 347.40.72.574 Mnemosyne Press Service
info@mnemosyneps.com
Consulente artistico: Francesco Gallo
Tel: (+39) 06.9065044 oppure 091.518793
Cell: (+39) 348.3333841

Mago Lauto Flici

anagramma per un Mozart segreto

dal 4 al 6 ottobre 2006 ore 10 – 19

Fondazione Morra - Palazzo dello Spagnuolo - Via dei Vergini 19

La Fondazione Morra presenta in esclusiva per i “Tre giorni d’arte a Napoli”, organizzati dal Teatro di San Carlo, quattro opere di Maurizio Elettrico, inspirate al suo libro “The New Empire – a short biography of an alian-Pope” pubblicato dalle Edizioni Morra.

I personaggi, tutti a carattere fantastico, abitanti di una realtà lontana nel passato e nel futuro, fondono segni mediovaleggianti e transgenici.

Queste figure raccontano visivamente i simboli del testo de “Il Flauto Magico” di Mozart, opera messa in scena per la prima volta nel 1791 e la cui genesi risulta ancora oggi un mistero. Il magico, il fascino dell’ibridazione uomo/animale, sono elementi presenti tanto nella vita del grande e immortale compositore austriaco quanto nel lavoro di Maurizio Elettrico, entrambi fortemente influenzati da “Le metamorfosi” di Apuleio e delle possibilità antropomorfiche da lui postulate.

“Mago Lauto Flici – anagramma per un Mozart segreto” è ideato per il programma dei tre giorni incentrati sull’Opera di Mozart presentata dal Teatro di San Carlo e in particolare sull’indovinata interazione fra musica e arte de “Il Flauto Magico” con regia e scene di William Kentridge.

“”Mago Lauto Flici” sarà aperta dal 4 al 6 ottobre in una delle sale della Fondazione Morra nel settecentesco Palazzo dello Spagnuolo.

Warhol alla Vecchiato New Art Galleries di Padova

inaugurazione giovedì 12 ottobre | dalle ore 18,30 | a cura di gianluca ranzi e doris von drathen | vecchiato new art galleries | padova


Dopo il notevole successo conseguito attraverso la mostra sugli artisti cinesi e il recente tributo al Nouveau Réalisme, la Vecchiato New Art Galleries torna alla ribalta per riproporre, sull'onda della visibilità internazionale, un'operazione mass-mediatica degna di un artista portavoce della società dell'immagine contemporanea: Andy Warhol.

Già nel 1995 la galleria di piazzetta San Nicolò aveva presentato un'interessante personale sull'artista e ora, a distanza di 10 anni, ne ripropone l'universo sfaccettato e a tratti paradossale, sospeso tra provocazione e superficialità.
La mostra Andy Warhol. The Bomb, a cura di Gianluca Ranzi e Doris Von Drathen, propone un'accurata selezione di trenta opere, rigorosamente autenticate dalla Fondazione Andy Warhol, tra serigrafie e ritratti, oltre ai celebri film underground. Il percorso ripercorre i momenti salienti dell'intero arco dell'attività artistica di Warhol, dagli anni sessanta fino agli anni ottanta.
Icona per eccellenza dei tempi moderni, Warhol è l'esponente più efficace di una dilagante e alquanto sfacciata immagine della cultura di massa, plagiata dal simbolo del dollaro, corrosa dai detersivi in scatola, che mastica slangs e zuppe preparate, tassativamente combinati al frizzante gusto della Coca-Cola, o ancora, colta mentre si stupisce per l'ennesima vittima dei crash automobilistici piuttosto che della guerra, o ripresa nel trasalimento di fronte alla pena di morte.
A tal proposito compaiono le note opere serigrafiche, celebri "icone da supermarket", evocative delle manovre strategiche presenti nei temi pubblicitari di successo, come Campbell's soup can shopping bag (tecnica mista), Velvet underground (serigrafia, pochette del disco Andy Warhol's Velvet Underground feauturing Nico) o il feticcio americano per eccellenza, il celebre Dollar Bill (serigrafia su tela), geroglifico contemporaneo del very politically correct.
La genialità intuitiva di Warhol è stata quella di costruire in maniera abilmente attenta una nuova identità attorno al concetto di artista, da intendersi quale macchina di produzione seriale, che ripete all'infinito tale operazione, senza poi chiedersene il motivo. In merito risuona calzante una sua questione: "non è forse la vita una serie di immagini che cambiano solo nel modo di ripetersi?". E ancora: "la ripetizione aumenta la reputazione".
Dalla prima serie di scatolette Campbell all'adozione della serigrafia, il passo è stato davvero breve, intercalato dall'ulteriore riflessione (ironica) sul ruolo della creatività nell'era della sua riproducibilità tecnica. Su suggerimento del suo assistente, egli adotta tale tecnica dopo svariati tentativi di "meccanizzazione" del suo modo di operare (mediante l'utilizzo di proiettori, timbri in gomma o legno, ecc). I primi dipinti serigrafati appartengono alla serie in cui l'artista utilizza la stampa per moltiplicare all'infinito un'immagine di partenza, disegnata a mano. Prendendo spunto da un'invenzione "molto americana" e decisamente "popular", ricondotta nell'ambito "alto" dell'arte, Warhol elabora in maniera sapientemente sottile una riflessione dirompente sui concetti di copia e di originale, opponendo l'omologazione alla necessaria espressività, la ripetizione all'unicità progettuale. Adottando una processualità "da catena di montaggio" (che gli consentiva di fare un quadro in quattro minuti), stimola d'altra parte il gioco con l'imprevisto, l'incidente di percorso e l'"errore" che vanifica la riproducibilità, rendendo le sue immagini seriali sempre diverse l'una dall'altra, paradossalmente originali.
A essi si aggiunge un pezzo di singolare spessore: un'inedita scultura del 1967, l'unica di grande formato realizzata dall'artista, dal titolo Bomb (modello di bomba dipinto a spray), pubblicata nel catalogo generale Andy Warhol. Paintings and Sculptures, 1964-1969, esempio calzante della viscerale vena pop associata al tridimensionale. L'opera cela un curioso aneddoto, in quanto doveva essere offerta come premio per un concorso sponsorizzato dalla rivista New York Magazine, successivamente pubblicato da The New York World- Journal Tribune. Il 22 gennaio 1967 in un articolo intitolato "Come with me bomb", Ralph Schoenstein invitava i suoi lettori a partecipare al concorso per progettare una bomba ad acqua in questi termini: "Celebriamo la fine della carenza idrica ritornando al più divertente tra tutti i giocattoli di guerra, l'unico che un uomo pacifico possa vedere cadere su Hanoi, dato che mai i civili di Ho potranno essere feriti da una doccia". Ai lettori veniva dunque offerto come primo premio una bomba U.S. Air Force, decorata personalmente da Andy Warhol. A testimoniare l'occasione, una vivace fotografia che vede l'artista abbracciare orgogliosamente il suo argenteo manufatto, pubblicata assieme all'articolo di Schoenstein.

La mostra propone inoltre una deliziosa galleria di ritratti celebri, stile copertina di Vogue, come Enzo Cucchi, Karen Kain, Rauschenbusch, Jean Paul Barbier, Joan Collins, Mildred Scheel, Karen Lerner, Natalie Sparber, Carlo e Diana. Si tratta dei volti celebri di quella New York mondana generatrice dell'arte pop, con tutto il relativo jet set fatto di moda, feste, frequentazioni, apparizioni. Erano i committenti stessi a fornire a Warhol le fotografie dalle quali veniva fatto il ritratto e l'intervento dell'artista veniva quindi ridotto il più possibile, come ebbe a dire Warhol stesso: "il massimo del prodotto col minimo di soggettività". Questa qualità astratta dell'immagine che rinuncia all'approfondimento psicologico è evidente nella frontalità perentoria del ritratto di Paul Barbier, nell'eleganza raffreddata di quello di Karen Kain, o nella sottigliezza della linea che disegna il volto di Jack Bellini. Altra opera di rilievo è Joseph Beuys in memoriam: uno stimolo al confronto frontale tra i due artisti, che offre un'efficace chiave di lettura per comprendere la base ideologica che attraversa l'arte del secondo dopoguerra e le differenze che in questo periodo intercorrono tra arte americana e arte europea. Se l'uno incarna infatti la fiducia nel successo americano, Beuys palesa la crisi di coscienza che accompagna l'intellettuale europeo, derivante dal peso di una tradizione ingombrante a vantaggio del sogno americano.
Oltre al dato propriamente artistico, Warhol ha anticipato in maniera clamorosamente veloce il sistema della realtà mediatica attuale, in cui la vita diviene fiction e viceversa, che oggigiorno si fa evidenza alla luce della società dei reality e del mito dell'apparizione-tv, e che l'artista seppe rivelare mezzo secolo prima, fino a dimostrare la possibilità della costruzione di un nuovo sistema di potere basato sull'abuso della visibilità.
Alle opere in mostra infatti si aggiunge la proiezione dei suoi memorabili film underground, I a Man, My Hustler, Blow Job, Empire, Kiss, Mario Banana, The Chelsea Girl, Lonesome Cowboys, Nude restaurant, Vinyl, Vinyl / the velvet underground & Nico.

Andy Warhol. The bomb
Dal 12 ottobre al 27 gennaio 2007
Orario: lunedì dalle 15.30 alle 19.30 dal martedì al venerdì dalle 9.00 alle 13.00 e dalle 15.30 alle 19.30, sabato dalle 9.30 alle 13.00 e dalle 15.30 alle 19.30
ingresso libero - chiuso domenica
Vecchiato New Art Galleries
via Alberto da Padova, 2 - Padova
tel. 049.665447 - fax 049.8561359
info@vecchiatoarte.it
Catalogo: Vecchiato New Art Galleries
Ufficio Stampa: Irma Bianchi Comunicazione
tel 02.89404694 - 02.89404694 - fax 028356467
info@irmabianchi.it
www.irmabianchi.it

Mostra-premio alla carriera di

Clara Garesio

L'immagine del vuoto al Museo Cantonale d'Arte di Lugano

conferenza stampa venerdì 6 ottobre | ore 11.00 | inaugurazione venerdì 6 ottobre | ore 18.00 | museo cantonale d'arte | lugano


L'esposizione L'immagine del vuoto (1958-2005) intende indagare i molteplici aspetti della rivoluzione linguistica attuatasi nell'arte in Italia a partire dalla fine degli anni Cinquanta. A tal fine, appare irrinunciabile esplorare affinità, contaminazioni e contrasti tra il contesto sperimentale italiano - animato all'epoca da Fontana, Manzoni e Castellani - e Yves Klein, in quegli anni "attore" ben presente a Milano, sia sul piano espositivo che nell'intensità dello scambio dialettico. L'obiettivo è quello di far emergere, attraverso la ricerca di artisti quali Lucio Fontana, Yves Klein, Piero Manzoni, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Francesco Lo Savio, Gianni Colombo, Dadamaino, Giulio Paolini, Alighiero Boetti, Giovanni Anselmo, Luciano Fabro, Michelangelo Pistoletto, Gino De Dominicis e Ettore Spalletti una specificità tutta italiana, una linea sotterranea, quasi un'anomalia che percorre in modo sottile questa linea di ricerca nel panorama europeo del secondo Novecento. La mostra intende individuare quella linea che contrappone alla componente "espressiva" più praticata e diffusa, una matrice "evocativa" di segno metafisico. Ovvero l'esigenza, comune a questi artisti, di porre tra parentesi la propria identità psicologica e soggettiva per formulare la nozione impersonale e assoluta di artefice dell'opera. Dopo la stagione informale, caratterizzata dalla centralità dell'Io, dal primato del soggetto, la nuova generazione ambisce a oltrepassare la frontiera dell'immateriale, dove il vuoto come spazio pittorico autentico, l'infinito come dimensione, il colore assoluto, i codici della pratica artistica diventano elementi essenziali per configurare una nuova visione dello statuto dell'opera e della stessa identità dell'arte. Si analizza quindi una linea di ricerca che, pur nella sua portata innovativa, nel suo azzeramento radicale, sembra conservare la consapevolezza della necessità irrinunciabile dell'immagine. Immagine che si presenta "senza corpo", evitando peraltro di arenarsi nelle secche di un'arte di matrice analitica, dichiaratamente concettuale di tipo anglosassone, che rifiuta l'immagine per scelta pregiudiziale. Un'ottica che mai si affida a punti di vista puramente teorico-speculativi, ma che sceglie invece di tener fede al primato dell'immagine. L'esposizione giunge infine ad esplorare l'eredità lasciata da questi protagonisti del secondo Novecento all'ultima generazione, individuando - nel panorama attuale - quali aspetti di quella stagione permangono tutt'oggi nel vocabolario artistico italiano. Saranno presentate in tal senso opere di artisti quali Mario Airò, Francesco Barocco, Gianni Caravaggio, Martino Coppes, Daniela De Lorenzo, Chiara Dynys, Francesco Gennari, Eva Marisaldi, Amedeo Martegani, Sabrina Mezzaqui, Diego Perrone, Luca Trevisani, Francesco Vella e Italo Zuffi.

STRUTTURA DELLA MOSTRA
L'esposizione si articola in diverse aree di ricerca, in una ideale progressione che dallo spazio infinito del cosmo conduce allo spazio finito dell'immagine. Le sezioni tematiche, precedute da un antefatto e da un capitolo introduttivo, si articolano in "Spazio e cosmo", "La concretezza dell'infinito", "L'io incorporeo" "L'architettura del vuoto", "I codici della visione". Il fine è quello di visualizzare i diversi ambiti che concorrono alla configurazione di questa nuova concezione artistica, nonché alle sue complesse evoluzioni fino ad approdare all'orizzonte più recente.
Antefatto
Finita la seconda guerra mondiale, si afferma dovunque nel mondo un linguaggio artistico comune, una koinè dagli accenti tardo-romantici che si propone di dare libero sfogo alle emozioni. Si manifesta l'urgenza di dar voce all'interiorità con toni vibranti, spesso gridati, affidando alla materia bruta e al gesto, svincolato da ogni controllo formale, il messaggio angoscioso e liberatorio insieme che si vuole trasmettere. Gli anni Cinquanta del Novecento, nei quali si formano tutti i protagonisti della mostra, sono la stagione del "tutto pieno"; del "troppo pieno", anzi, agli occhi di questa generazione, che reagisce a quell'altissima temperatura emotiva raffreddando all'estremo la propria arte e scegliendo, all'opposto, il "tutto vuoto".
Introduzione
La sezione introduttiva indica i tre momenti "storici" dai quali discende l'intero progetto espositivo. Un "buco" di Fontana, un "monocromo" di Klein e una "linea" di Manzoni fissano i termini da cui la mostra si sviluppa. Fontana stesso ci fornisce una traccia con queste sue parole riferite a Carla Lonzi - con l'abituale tono colloquiale - in occasione della stesura del volume di interviste Autoritratto, 1969: ". Incomincia a essere valido Klein quando fa tutto bleu, che è una dimensione... Lui l'ha intuito lo spazio, però, te lo dico io, quelli, proprio, che l'hanno capito siamo io e Manzoni: Manzoni con la linea all'infinito e, fino adesso nessuno l'ha raggiunto, guarda, con tutte le sperimentazioni che stan facendo, è la scoperta più grande che ci sia, e io col buco.."
Spazio e cosmo
La vertigine dell'idea di universo provoca la perdita di dimensione dell'opera: una Natura di Fontana, una Sculpture éponge di Klein, il Senza titolo di De Dominicis concorrono ad aprire nuovi confini che oltrepassano i limiti convenzionali del quadro. Domina la tensione verso una concezione assoluta dell'immagine che superi ogni forma di condizionamento relativizzante per raggiungere la massima libertà spirituale e la purezza dell'essenza cosmica.
La concretezza dell'infinito
Il quadro non è più una composizione di elementi, lo spazio entro cui si mette in scena la lotta tra forme e colori nel dominio emozionale, bensì una rappresentazione visibile e concreta dell'assoluto nell'immagine. Un taglio Concetto Spaziale (Attese) di Fontana, una Superficie di Castellani, una carta quadrettata (Cimento dell'armonia e dell'invenzione) di Boetti fissano i termini di una nuova concezione dell'opera.
L'Io incorporeo
Il processo di smaterializzazione dell'immagine arriva a sottrarre sostanza alla stessa figura dell'autore o del soggetto rappresentato. Nove xerox Anne-Marie di Alighiero Boetti, o Alias di Martegani, non corrispondono alla testimonianza della loro immagine, ma abbandonano la consuetudine della tradizione e intraprendono la via dell'impersonale eliminando qualsiasi residuo di riflesso figurativo.
L'architettura del vuoto
Pone l'accento su una ricerca spaziale orientata verso la tridimensionalità, intesa non più come scultura, ma come integrazione reciproca tra spazio e oggetto. Un Filtro di Lo Savio, una Strutturazione pulsante di Colombo testimoniano di questa esperienza.
I codici della visione
È il capitolo che affronta, infine, la rivoluzione linguistica provocata dalla consapevolezza che l'autore assume nei confronti degli strumenti e dei termini di linguaggio della pratica artistica, intesa come effettivo soggetto dell'opera. Vedo (l'opera completa di Edouard Manet come decifrazioni del mio campo visivo) di Paolini o Da mille a mille di Boetti configurano visioni al contempo individuali e universali, manifeste e cifrate, dettate dall'osservanza dei codici formali della rappresentazione.
Le sezioni tematiche sopra delineate sono visualizzate in mostra attraverso circa 100 opere, di cui quelle qui nominate costituiscono il riferimento essenziale ed ideale. Le opere, generalmente concesse in prestito da Musei, Archivi, Fondazioni e privati, sono in alcuni casi provenienti dalle collezioni degli artisti stessi. Particolare attenzione viene rivolta, infatti, alle opere a loro appartenute all'epoca, al fine di tentare di ricostruire le reciproche relazioni, attestazioni di stima, affinità intellettuali.

L'Immagine del vuoto
Dal 7 ottobre 2006 al 7 gennaio 2007
Orari: martedì 14-17, da mercoledì a sabato 10-17, domenica 11-18. Chiuso lunedì
Ingresso: Fr. 10.- , ? 7,00, anziani, studenti e gruppi Fr. 7.-, ? 5,00
Mostra a cura di Marco Franciolli, Direttore Museo Cantonale d'Arte, Bettina Della Casa, Curatrice Museo
Catalogo: Introduzione di Marco Franciolli. Testi di Bruno Corà, Bettina Della Casa, Marcello Ghilardi, Tony Godfrey, Ada Masoero, Giulio Paolini, Annemarie Sauzeau, Dieter Schwarz e Elena Volpato. Schede di Simone Menegoi. Italiano/inglese. Skira

Museo Cantonale d'Arte - via Canova 10 - 6900 Lugano
tel. + 41 91 9104780 - fax + 41 91 9104789
decs-mca@ti.ch
www.museo-cantonale-arte.ch

Coco Cano da Evvivanoè a Cherasco

inaugurazione 7 ottobre 2006 | ore 16,30 con degustazione di caffè a cura dell'antica torrefazione del centro di carmagnola | a cura di sara merlino | evvivanoè esposizioni d'arte | cherasco (cuneo)


«L'intera realtà fenomenica del mondo, con quell'alito di vita che lo pervade e lo muove, è racchiusa nei paisajes di Coco Cano -commenta la curatrice Sara Merlino, direttrice artistica di evvivanoè- I gialli, i rossi, gli arancioni sono la terra, la civiltà; i blu e gli azzurri le acque che portano vita; i verdi la fertilità, colline cariche di frutti. E poi il bianco e, soprattutto, i tratti neri, potenza del segno grafico e del contrasto».

Coco Cano è nato a Montevideo, capitale dell'Uruguay, nel 1952. Ha frequentato l'Accademia Nazionale delle Belle Arti e, nel 1970, ha creato il laboratorio sperimentale "Taller Tacuabè" in cui sviluppare ricerche con ceramiche, cuoio, legno, cartapesta e tessuti, oltre a grafica e pittura. Quindi, ispirandosi alla tradizione indigena latinoamericana, ha aperto un piccolo atelier per sperimentare colori e forme attraverso il telaio: tecniche semplici e rudimentali; colori naturali e materiali poveri restano al centro della sua ricerca.
Nel 1973 ha lasciato l'Uruguay per trasferirsi prima in Argentina, a Buenos Aires, poi in Europa: prima la Spagna, poi la Francia, l'Olanda, la Germania e l'Italia, viaggiando e osservando con "fame" di conoscenza. Arrivato a Torino ha ripreso gli studi di grafica e fotografia, realizzando lavori di design in vetro, ceramica e ferro e pubblicando libri da collezione. Oggi vive con la famiglia tra Carmagnola (Torino) e Montevideo, concentrando la sua espressività artistica principalmente nelle arti visive.

Paisajes di Coco Cano
Dal 7 al 22 ottobre 2006
La mostra è organizzata in collaborazione con l'Assessorato alla Cultura della Città di Cherasco.
Orario: 10-12 e 15,30-19 dal mercoledì alla domenica; orario continuato 9-20 in occasione del Grande Mercato del Giocattolo d'Epoca di domenica 15 ottobre

evvivanoé esposizioni d'arte
via vittorio emanuele 56 cherasco (cn)
telefono 0172-48.95.08
esposizioni@evvivanoe.it
www.evvivanoe.it

Tempo di Oscar del Web Comunicato stampa del 6/10/06 I MAGNIFICI 10! www.annaoxa.net www.endrizzi.it www.ernestomeda.it www.internazionale.it www.maxcoppeta.it/terradibabilonia/ >> 3 nomination Sito dell'Anno    Art Direction    Colonna sonora www.metrotorino.it www.mono-no-aware.org www.no-thing.it www.regione.sardegna.it www.stefanel.it Sono loro i magnifici 10. Quelli che si contenderanno, cioè, il titolo di Sito dell'Anno 2006 il prossimo 21 ottobre al MUMI di Francavilla al Mare (CH) nell'ambito della quinta edizione di Premio Web Italia. Scelti dalla giuria tecnica del premio dopo una selezione che ha visto ben 4116 candidati alla competizione scesi, dopo una prima scrematura, a 884 siti definiti "eccellenti" secondo i criteri del concorso che premia lo stile italiano nel web. Non sarà però l'unico premio che verrà consegnato durante la cerimonia. Il concorso quest'anno premia le professioni (10 categorie), la Web Agency e il/la free lance dell'Anno, oltre al premio Giuria Giovani e, premio tematico dell'anno, lo Special Awards della Musica, che vede ancora il sito di Anna Oxa tra i finalisti, insieme a Caparezza, Gigi D'Alessio, Dogna Band, Dolcenera, Fabri Fibra, Crifiu, Kekko Fornarelli, Cesare Cremonini e Syria. Tra tutti i finalisti (sono 87 i siti, visibili  on line sul sito ufficiale di Premio Web Italia ) verrà infine assegnato il Premio Speciale della Critica.

Un Web Festival all'insegna del ritmo Quest'anno il contenitore di Premio Web Italia si annuncia esplosivo. La parola d'ordine è Ritmo! Un susseguirsi di incontri e di workshop che avrà, come focus centrale, il rapporto tra musica e web. Ecco le prime anticipazioni: Un intero museo, il MUMI di Francavilla al Mare, diventerà palcoscenico di artisti e performer: tra gli altri Nuova Agricola Associazione, Marco Papa,  Alberto Donatelli, Kekko Fornarelli Trio. Si parlerà anche di video arte, delle fanzine italiane, di mercato del collezionismo on line, di distribuzione di dischi via iTunes, di Ipodmania, di Skype, di musica elettronica e musica nel cinema.  In mostra File&Files e 30 video selezionati per Magmart 2006. Momento clou il talk show animato da Carlo Massarini sul tema della "Qualità nei contenuti digitali". al dibattito parteciperanno esperti provenienti dal settore musicale, dei beni culturali, della pubblica amministrazione e dalla produzione video per il web. La manifestazione verrà ripresa in diretta radio, web radio e webtv. Programma in continuo aggiornamento sul sito web.festival.eu Premio Web Italia è organizzato da Assowebitalia e Comune di Francavilla al Mare, con il contributo del Consiglio Regionale dell'Abruzzo e dell'APTR Abruzzo Promozione Turismo, i patrocini della Presidenza del Consiglio dei Ministri, Ministero per gli Affari Regionali, Ministero delle Comunicazioni, Ministro per le Riforme e Innovazioni nella Pubblica Amministrazione, Rete internazionale delle Cittaslow. Per informazioni: Ufficio Stampa Premio Contatto 333 3563900

IL DIAPASON ARTE

PARENTAL ADVISORY IMPLICIT CONTENT

Dal 7 al 19 OTTOBRE 2006 la galleria d’arte il diapason arte ospita la mostra collettiva: parental advisory implicit content.

Il progetto, nato da un’idea della gallerista Rosalba Salluzzo ,coordinatrice della mostra, prevede la partecipazione di nove artisti che interpretano la realtà in modi differenti.

CONSIGLIO AI GENITORI

CONTENUTI IMPLICITI dice il marchio… E marchiati, anche noi, omologati, cerchiamo la cifra della nostra unicità, svincolandoci e talvolta confondendoci col mondo delle immagini di cui siamo fatti, di cui è fatta la nostra percezione. Realtà fotografata, mediata, percepita con più immediatezza nella mediazione,e la cui oggettività è tradita, evocata, amata o interrogata, ma mai ignorata!

Implicitamente, il gesto artistico, mette in gioco l’unico elemento reale del nostro sapere: la nostra esperienza personale-non virtuale. Così amici, parenti, se stessi e i propri esperimenti, diventano il fulcro del lavoro dei nove artisti.

Dunque siete avvisati: no alla censura dell’individuo!

Rafael Pareja alla Galleria Buonanno Arte Contemporanea

inaugurazione 14 ottobre 2006 | ore 18.00 | buonanno arte contemporanea | mezzolombardo (tn)


L'universo poetico di Rafael Pareja (Trento, 1972; vive a Roma) è dominato da sogni e visioni. La sua è una ricerca continua e indefessa nei labirinti della natura umana, negli interstizi tra la superficie e le profondità nascoste, tra i fantasmi dell'inconscio, dove mille metafore si intrecciano senza mai cristallizzarsi nell'univocità del simbolo.
L'artista trentino, romano d'adozione, torna nel suo territorio d'origine con una mostra complessa e affascinante, composta da quadri digitali, fotografie e lavori ad inchiostro e punta d'argento su carta. Le opere di Pure White Sky, pur nella diversità di stile e mezzi utilizzati, costituiscono un corpus unico e inscindibile. Un racconto evocativo e allegorico, costruito per frammenti e mai definitivo, un viaggio negli abissi della psicologia e dei sentimenti. La storia della una discesa di un uomo nel profondo delle proprie paure. Un viaggio che inizia in un bosco, di notte, con una casa in fiamme, e si snoda tra bianchissime distese di neve, corridoi d'ospedale e minacciosi bunker.

La scelta, maturata già dalla seconda metà degli anni Novanta, di utilizzare il computer come strumento privilegiato per la costruzione dell'immagine, non ha mai allontanato l'artista dalla propria anima pittorica, come dimostra questo ultimo progetto. Sin dalle prime opere (che prevedevano l'uso simultaneo di fotografie, disegni e interventi digitali), Rafael Pareja dimostra di saper piegare l'elaboratore alle proprie esigenze coloristiche e disegnative, sfruttando il distacco -fisico e mentale- che lo strumento tecnologico inevitabilmente introduce tra l'artista e l'opera. Un distacco che diventa un vero e proprio spazio per la riflessione; un tempo che fa da filtro e distilla in immagini lucide e potenti il magma irrazionale che domina l'anima umana e l'esperienza interiore del mondo. Le suggestioni letterarie e cinematografiche (David Lynch e Friederich Dürrenmatt, solo per citarne alcuni), sempre presenti nel lavoro dell'artista, vengono rielaborate attraverso un percorso di interiorizzazione e reinterpretazione che non è mai didascalico, ma che va ad arricchire una visione del mondo stratificata e vitale, a tratti cupa ma sempre illuminata da una fede: quella nella possibilità della rinascita.
Il bianco del cielo (Pure White Sky, recita il titolo della mostra) non è mai completamente puro, la neve viene sempre sporcata dalle impronte e dalla pioggia, nell'acqua galleggiano terra e foglie. L'aspirazione alla purezza diventa il simbolo di una tensione universale, quella verso una perfezione irraggiungibile, verso una razionalità cristallina e risolutrice, che risponda agli eterni misteri dell'esistenza. Una ricerca intrinsecamente impossibile e per questo, sempre, necessaria.

Questa galleria aderisce alla Giornata del Contemporaneo indetta da Amaci (Associazione dei Musei d'Arte Contemporanei Italiani).
E' presente dal 19 al 23 ottobre 2006 ad artVerona stand A21

Rafael Pareja. Pure White Sky
Dal 14 ottobre al 22 novembre 2006
Orario: da lunedì a venerdì-17.30 - 19.30. Sabato su appuntamento
In occasione della mostra verrà edito un catalogo con il testo di Valentina Tanni.
L'artista sarà presente all'inaugurazione il 14 ottobre 2006.
Galleria Buonanno Arte Contemporanea
Via Garibaldi, 16
38017 Mezzolombardo Tn
Te. 0461 603770
buonannoac@virgilio.it

Siamo felici di annunciarvi la prossima mostra del Centro d'Arte Contemporanea di Villa Manin

EurHope 1153

Arte Contemporanea dal Bosforo

gli artisti in mostra:
Haluk Akakçe, Fikret Atay, Bashir Borlakov, Osman Bozkurt, Banu Cennetoglu, Hussein Chalayan, Cevdet Erek, Esra Ersen, Inci Eviner, Hatice Güleryüz, Gülsün Karamustafa, Ömer Ali Kazma, Sefer Memisoglu, Ahmet Ögüt and Osman Bingöl, Erkan Özgen, Nasan Tur.

1153 sono le miglia marine che separano il Golfo di Trieste dal porto di Istanbul. Un percorso simbolico che vuole ricalcare la storia, sottolineare il presente, ma anche ispirare i futuri rapporti tra due regioni di un mondo in costante trasformazione. La Turchia è una nazione che si esprime geograficamente come ponte tra Europa e Asia e che, particolarmente oggi, può essere principale luogo d’incontro e fondamentale territorio di dialogo tra oriente ed occidente. L’articolata realtà sociale e culturale di questo paese è matrice di un'identità forte caratterizzata tanto dalla sua eterogeneità quanto dalla sua unicità.
La mostra EuroHope1153 organizzata dal Centro d'Arte Contemporanea di Villa Manin presenterà un gruppo di giovani artisti turchi che utilizzano principalmente il video e la fotografia e che, nel loro lavoro, raccontano un mondo multiforme e dinamico, particolarmente rilevante in relazione agli attuali sviluppi artistici internazionali.
L’esigenza di dare vita a narrazioni originali che riflettano i mutamenti avvenuti negli ultimi anni in Turchia, la necessità di utilizzare liberamente i diversi mezzi espressivi e il desiderio di sperimentazione sono alcuni degli aspetti che accomunano gli approcci e i linguaggi di questa mostra. Gli artisti esprimono un’ironia corrosiva che smaschera sia le mitologie nazionali che quelle quotidiane: dalla rielaborazione di un passato tanto ricco quanto complesso all’urgenza di analizzare le contraddizioni della società contemporanea, le loro opere forniscono profondi spunti di riflessione sui rapporti tra arte, individuo e società.
Portando in Italia le visioni di questi artisti, EurHope1153 vuole essere uno strumento di scambio e di conoscenza di realtà differenti attraverso l’arte contemporanea.
La mostra EurHope1153 si affianca all’iniziativa I Turchi in Europa della Regione Friuli Venezia Giulia, in sinergia con i governi italiano e turco. Il progetto si articola in un programma di mostre, incontri ed eventi nelle sedi di Palmanova, Pordenone, Trieste, Udine, Gorizia e Cividale.

L'idea di confine al Man di Nuoro

venerdì 13 ottobre | ore 19,00 | a cura di cristiana collu, saretto cincinelli, roberto pinto | man | nuoro


Uno dei temi più discussi nell'arte contemporanea è sicuramente l'idea di confine che gli artisti hanno affrontato sia in senso metaforico e personale sia in senso geopolitico, con tutte le conseguenze sociali e le implicazioni internazionali che ciò comporta. L'interesse ampiamente diffuso negli ultimi anni nello stabilire dei confini e nel provare a tracciare le differenze, affonda le sue origini anche all'interno delle pratiche artistiche: l'attenzione che l'arte ha dedicato allo spazio e alla conoscenza dei suoi limiti è sintomo di una specifica attitudine a mettere sotto osservazione il territorio di confine tra le cose. Esistono confini ben delimitati da frontiere, mura, sorveglianza armata, ed esistono confini meno evidenti, anche se spesso altrettanto rigidi e invalicabili. Ci troviamo di fronte al paradosso di una globalizzazione che sembra implicare la perdita dei confini soltanto per informazioni, soldi e merci. I muri, che abbiamo visto cadere alla fine del secolo scorso, in fondo si sono moltiplicati. In un contesto più ampio si potrebbe anche dire che i confini esterni rimandano a un'idea di esclusione, di diversità, mentre i confini interni alle differenze di classe, di credo religioso, di etnia, di genere. I confini riempiono la nostra vita, ci circondano completamente, sono lo strumento che ci permette di classificare e riconoscere la molteplicità della nostra realtà, e, allo stesso tempo, sono un frutto della nostra capacità di stabilire delle convenzioni. La nozione di confine svolge un ruolo cruciale a qualsiasi livello di rappresentazione e di organizzazione del mondo che ci sta intorno. A proposito dei confini, scriveva Claudio Magris: «Essi muoiono e risorgono, si spostano, si cancellano e riappaiono inaspettati. Segnano l'esperienza, il linguaggio, lo spazio dell'abitare, il corpo con la sua salute e le sue malattie, la psiche con le sue scissioni e i suoi riassestamenti, la politica con la sua spesso assurda cartografia, l'io con la pluralità dei suoi frammenti e le loro faticose ricomposizioni, la società con le sue divisioni, l'economia con le sue invasioni e le sue ritirate, il pensiero con le sue mappe dell'ordine». Forse è proprio questa ricchezza di significati e di aspetti a rendere interessante tale argomento. Le opere degli artisti in mostra sembrano ribadire proprio la varietà di possibili interpretazioni, non rinunciando, quindi, a «osservare quello strano spazio che si trova "tra" le cose, quello che mettendo in contatto separa, o, forse, separando mette in contatto persone, cose, culture, identità, spazi fra loro differenti». Da dove si guarda un confine? Cosa significano realmente espressioni come dentro o fuori ? Esiste un fuori del dentro o un dentro del fuori? Queste alcune delle domande messe in gioco dalla mostra.

Artisti: Francesco Arena, Maja Bajevic, Emanuele Becheri, Jota Castro, Yael Davids, Pepe Espaliú, Carlos Garaicoa, Mona Hatoum, Alfredo Jaar, Magdalena Jetelova, Seila Kameric, Daniela Kostova, Jorge Macchi, Liliana Moro, Mateo Maté, IngridMwangiRobertHutter, Andrea Nacciarriti, Adrian Paci, Riccardo Previdi, Michael Rakowitz, SASI Group, Stalker, Jules Spinatsch, Franck Scurti, Daina Taimina, The Institute for Figuring, Enzo Umbaca, Catherine Yass.

La mostra è accompagnata da una rassegna video a cura di Maria Rosa Sossai che presenta le opere di Massimiliano e Gianluca De Serio, Alex Cecchetti, Armin Linke, David Krippendorf e, in collaborazione con l'Istituto Polacco di cultura a Roma, le opere di Bogna Burska, Jacek Molinowski, Julita Wojcik.

Confini - Boundaries
Dal 13 ottobre 2006 al 7 gennaio 2007
Orario: 10:00/13:00 - 16:30/20:30 dal martedì alla domenica
MAN_Museo d'Arte Provincia di Nuoro
Via Sebastiano Satta 15 (08100)
tel.&fax 0784 252110
man.nuoro@virgilio.it
www.museoman.it
Progetto: Cristiana Collu
Catalogo: Silvana Editoriale
Testi: Cristiana Collu, Saretto Cincinelli, Roberto Pinto, Davide Zoletto, Marco Senaldi intervista Slavoj Zizek e Franco La Cecla

Nuovo percorso espositivo a Verona

inaugurazione 13 ottobre | ore 17.00 | presso la cattedrale di verona | fino al 7 gennaio 2007 | fondazione museo miniscalchi erizzo, galleria d'arte moderna palazzo forti, chiesa di san tomaso cantuariense | verona


In occasione del 4º Convegno Ecclesiale Nazionale -Testimoni di Gesù risorto, speranza del mondo- verrà inaugurato il 13 ottobre alle ore 17.00 presso la Cattedrale di Verona, l'itinerario L'arte nel segno della risurrezione, un percorso espositivo diviso in tre diverse tappe, tra loro intimamente correlate nei temi e nelle finalità.
Le esposizioni sono promosse dalla Conferenza Episcopale Italiana, nell'intento di mostrare come l'arte sia sempre stata e possa continuare a essere oggi un linguaggio universale, capace di affermare e realizzare la testimonianza dell'incontro dell'uomo con Dio e di comunicare la speranza che viene dall'annuncio del Risorto.
Dalla profonda convinzione che il linguaggio dell'arte non sia semplicemente accessorio rispetto al fulcro dell'esperienza cristiana ma, al contrario, ne costituisca una modalità specifica di attuazione, si è scelto di affrontare un percorso espositivo che va dalla tradizione secolare delle Chiese del Triveneto all'arte contemporanea, nel tentativo da un lato di rafforzare la consapevolezza delle radici cristiane di tanta produzione artistica del nostro paese, e dall'altro di invitare gli artisti contemporanei e la comunità cristiana ad un dialogo più intenso.

SPLENDORI DEL RISORTO
Arte e fede nelle Chiese del Triveneto
La mostra, che si terrà presso il museo Miniscalchi Erizzo dal 13 ottobre 2006 al 7 gennaio 2007, propone un centinaio di opere d'arte provenienti dal Friuli Venezia Giulia, dal Veneto e dal Trentino Alto Adige. Codici miniati, dipinti, sculture lignee e in marmo, calici, ostensori e altre preziose opere narrano le radici cristiane delle terre del Triveneto e testimoniano nei secoli l'attenzione ai temi evangelici del Cristo risorto nelle diverse espressioni artistiche. L'itinerario espositivo è suddiviso in otto sezioni tematiche ma rimanda idealmente a tutto il patrimonio dell'arte cristiana, attestando come la fede nel Risorto sia stata fonte di una variegata espressione artistica che ha nutrito liturgia, pietà popolare, devozione e esperienza di fede con segni indirizzati alla mente e al cuore della persona e della comunità. Fra gli artisti in mostra spiccano i nomi di Giambattista Tiepolo, Palma il Giovane, il Pordenone e il Cavazzola, esposti insieme ad artisti ignoti ma non meno importanti, come il fine intagliatore del crocifisso della cattedrale di San Giusto.

L'ARTE E DIO
La scommessa di Carlo Cattelani
La galleria d'Arte Moderna Palazzo Forti del Comune di Verona, ospita dal 13 ottobre 2006 al 7 gennaio 2007 la mostra L'Arte e Dio dedicata a una persona di viva fede cristiana, che nell'arte contemporanea ha realizzato la propria singolare missione: Carlo Cattelani. Collezionista e mercante d'arte, Cattelani ha avuto il merito di generare sincere espressioni di fede e spiritualità in artisti lontani da ambiti religiosi, contribuendo al rinnovamento dell'iconografia della fede. Egli ha colto presto, attraverso percorsi del tutto individuali e a volte controcorrente, l'importanza dell'arte, anche e soprattutto di quella contemporanea, come dimensione culturale fruibile da tutti, al di fuori di circoli elitari e speculativi. La mostra presenta un corpus di opere di artisti che rappresentano i massimi maestri della contemporaneità quali Barnett Newman, Sol Lewitt, Frank Stella, Yves Klein, Andy Warhol, Lucio Fontana, Alberto Burri e Giuseppe Caporossi, insieme ad opere di artisti come Gino De Dominicis, Hermann Nitsch, Jiri Kolar e Ben Patterson che intrattennero con Cattelani dei sinceri rapporti d'amicizia.

VIA LUCIS
Interventi d'Arte dell'Unione Cattolica Artisti Italiani
La Chiesa di San Tomaso Cantuariense di Verona, dal 13 ottobre 2006 al 7 gennaio 2007, ospita un'installazione dedicata alla Via Lucis, promossa dall'Unione Cattolica degli Artisti Italiani. All'interno della chiesa sono collocate le quattordici stazioni della Via Lucis realizzate da altrettanti artisti, in sequenza: Alessandro Verdi, Giulio Rossetti, Massimiliano Battilo, Eva Maria Friese, Carla Caldonazzi, Marco Arman, Maria Rosanna Cafolla, Alberto Bolzonella, Luigi Caflisch, Carlo Adolfo Fia, Maurizio Frisinghelli, Maria Adele Potente, Romano Perugini, Silvana Piergalli Recchioni. Il coinvolgimento di quattordici artisti contemporanei all'interno di uno spazio dedicato al sacro, rivela la necessità di tornare ad esprimere attraverso il linguaggio dell'arte, come nei secoli è sempre stato, il messaggio salvifico che viene dall'annuncio del Risorto, recuperando il senso e il legame profondo che lega l'arte alla fede.

L'ARTE NEL SEGNO DELLA RISURREZIONE
Iniziative promosse dalla CEI con i contributi di
Regione Veneto, Comune di Verona, Diocesi di Verona e Ministero per i Beni e le Attività Culturali

Splendori del Risorto. Arte e Fede nelle Chiese del Triveneto
Verona, 13 ottobre 2006 - 7 gennaio 2007
Fondazione Museo Miniscalchi Erizzo
Orari: dalle 9.00 alle 18.00 (chiusura biglietteria ore 17.00); giorno di chiusura lunedì Chiuso il 25/12/2006 e l'1/01/2007
Biglietti: intero 5 euro; ridotto 4 euro; ridotto speciale 3 euro
Ingresso gratuito nei giorni del Convegno Ecclesiale, dal 16 al 20 ottobre 2006
Informazioni: 045 8032484

L'arte e Dio. La scommessa di Carlo Cattelani
Verona, 13 ottobre 2006 - 7 gennaio 2007
Galleria d'Arte Moderna Palazzo Forti
Orari: da martedì a venerdì dalle 9.00 alle 19.00 (chiusura biglietteria ore 18.00); sabato e domenica dalle 10.30 alle 19.00(chiusura biglietteria ore 18.00); giorno di chiusura lunedì Chiuso il 25/12/2006 e l'1/01/2007
Biglietti: intero 5 euro; ridotto 4 euro; ridotto speciale 3 euro
Informazioni: Palazzo Forti 045 8010903
palazzoforti.press@comune.verona.it

Via Lucis. Interventi d'Arte dell'Unione Cattolica Artisti Italiani
Verona, 13 ottobre 2006 - 7 gennaio 2007
Chiesa di San Tomaso Cantuariense
Orari: tutti i giorni dalle 8.00 alle 12.00 e dalle 16.00 alle 19.00 Ingresso libero

I cataloghi delle mostre sono di Silvana Editoriale
Ufficio stampa: Studio Esseci www.studioesseci.net

Daniele Righi Ricco e Nicola Fantini da Ilbox

inaugurazione venerdì 13 | ore 17,00 | a cura di giuseppe biselli | ilbox | orta san giulio (no)


"Quando ho iniziato ad occuparmi di fotografia, non dico che c'erano i dagherrotipi, ma quasi. Negli ultimi dieci anni ho visto passare la quasi totalità dei fotografi al digitale, e ora quotidianamente m'imbatto in files anziché negativi, stampe o diapositive. Ho dovuto così familiarizzare con i RAW (crudo, radice), ovvero l'immagine come viene registrata dal sensore della fotocamera digitale. I files-immagini che scarichiamo dalle schede vengono archiviati nelle memorie del computer come JPG o TIF; nomi divenuti d'uso comune che mi paiono persino familiari. Alla sorgente, nella memoria della macchina digitale, i file RAW vengono registrati e un'estensione ci indica l'azienda produttrice. Così le foto scattate con una Nikon digitale saranno Nikon Electronic Files: NEF. Canon CRW e CR2. L'estensione OLF dirà a noi e al nostro MAC che le foto provengono da una memoria della Olympus e RAF da una Fuji. Ho così avuto l'impressione che attorno al mondo Raw ruotasse una serie di personaggi che interpretano il ruolo del loro marchio. Nef, Raf, Orf e Crow mi sono sembrati "amici ditali", "persone" che si confrontano col mondo che li circonda, immagazzinando immagini sotto forma di dati. E' così che ho chiesto allo scrittore Nicola Fantini di raccontare una storia con questi "personaggi" come protagonisti e all'artista Daniele Righi Ricco di dare loro un "volto"."

Impronte digitali
Dal 13 al 15 ottobre 2006
orario: 14 e 15 ottobre 2006 dalle ore 10 alle ore 20
ILBOX - PALAZZO PENOTTI UBERTINI
Via Corinna Caire Albertoletti 31 (28016)
ilbis@ilboxorta.org

Allo Spazio Oberdan di Milano arte, identità e cultura in transito

17 ottobre 2006 - 28 gennaio 2007 | a cura di hou hanru e gabi scardi | promossa dalla provincia di milano in collaborazione con il museo di fotografia contemporanea | spazio oberdan, viale vittorio veneto 2 | milano


Presso lo spazio Oberdan di Milano si terrà dal 17 ottobre prossimo la mostra Wherever We Go - Ovunque andiamo: Arte, identità, cultura in transito, a cura di Hou Hanru e Gabi Scardi. L'esposizione, promossa dalla Provincia di Milano e realizzata in collaborazione con il Museo della Fotografia Contemporanea, raccoglie più di cinquanta opere (video, sculture, installazioni, disegni, fotografie) di ventitre artisti, per la maggioranza inediti in Italia.
Di provenienza differente, dall'Albania al Sud Est asiatico al Medio Oriente, questi artisti sono accomunati dal fatto di abitare in Paesi diversi da quelli in cui sono nati e di aver sperimentato in prima persona l'incontro con valori, visioni del mondo e sistemi di vita eterogenei, facendosi portatori di una cultura sfaccettata che integra punti di vista molteplici. Proprio questo tipo di personalità sta infondendo oggi all'arte nuove energie creative, in un rapporto di confronto, di scambio, di travasi e di influssi.

Attraverso le opere di Adel Abdessemed, Nindityo Adipurnomo, Kristine Alksne, Maria Thereza Alves, Keren Amiran, Carlos Amorales, Maja Bajević e Danica Dakić, Yael Bartana, Banu Cennetoglu, Magali Claude, Latifa Echakhch, Huang Yong Ping, Mella Jaarsma, Koo Jeong-A, H.H. Lim, Elena Nemkova, Ni Haifeng, Adrian Paci, Pascal Marthine Tayou, Tsuyoshi Ozawa, Nari Ward e Shen Yuan si manifesta così l'orientamento interculturale che caratterizza molta parte della società e dell'arte del presente, e si esprimono i temi della dislocazione e della stratificazione culturale, della rappresentanza, e l'idea di cultura come ambito dotato di vitalità capace di assimilare ed integrare continuamente, nella propria forma e nella propria tradizione espressiva, elementi nuovi ed estranei.

La mostra parla quindi di identità, intendendo con questo termine qualcosa che non si definisce solo in base a una radice geografica ma che è soprattutto prodotto di esperienze e di relazioni; qualcosa che non è fissato una volta per tutte, ma che è vivo e mobile, che resiste alle semplificazioni e alle classificazioni.
Tra i video in mostra: What Is the Colour of German Roses? di Maria Thereza Alves; I Like - I Don't realizzato a quattro mani da Maja Bajević e Danica Dakić; la doppia video proiezione Wild Seeds di Yael Bartana; Vajtojca di Adrian Paci, dove l'artista mette in scena il proprio funerale e la propria rinascita; la poetica videoanimazione che Carlos Amorales ha realizzato a partire da una serie numerosissima di disegni digitali, parte dei quali a loro volta in mostra e Turtely di Keren Amiran: una donna proietta emozioni e nostalgie su una tartarughina domestica, con la quale avvia uno struggente monologo.

Parte delle sale espositive è occupata da grandi sculture e installazioni: è il caso, tra l'altro, degli interventi site-specific di Koo Jeong-A e di H.H. Lim, dell'opera appositamente concepita da Nindityo Adipurnomo per Wherever We Go, consistente in una serie di sedie montate l'una sull'altra facenti da supporto a una telecamera e di Crusader di Nari Ward, una sorta di totem realizzato a partire da materiali riciclati ad alto valore simbolico: un carrello della spesa, pezzi di plastica, taniche per la benzina, un lampadario. Shen Yuan mette a disposizione del pubblico un'installazione da utilizzare come trampolino, consistente in un ampio materasso colorato e ricamato con simboli del mondo intero. Una postazione per l'accesso in rete è riservata all'opera di Elena Nemkova: l'artista ha un blog in cui inserisce disegni ispirati alle notizie di attualità che più la colpiscono. Banu Cennetoglu esprime attraverso una serie di fotografie l'esperienza del viaggio e l'idea che il tragitto possa essere più importante della meta stessa. E Magali Claude si fa ritrarre insieme a personaggi vicini e lontani che hanno contribuito in modo significativo alla sua formazione.

La mostra costituisce dunque un campo aperto di confronto e messa in scena di questioni cruciali del presente: ogni opera, frutto di una riflessione-azione, racconta cose del luogo in cui il suo autore è nato, ma anche di quello in cui attualmente vive. La sera dell'inaugurazione sarà possibile assistere a una performance ideata da un'artista olandese trasferitasi in Indonesia, Mella Jaarsma. Al centro dell'azione una serie di abiti avvolgenti e costrittivi al contempo, realizzati dall'artista stessa a partire dai materiali più svariati.

L'esposizione è accompagnata da un catalogo (casa editrice 5 Continents) con testi critici dei due curatori e di Elvan Zabunyan, Gilane Tawadros, Pier Luigi Tazzi, apparati fotografici a colori e schede biografiche degli artisti.

Servizi didattici sono previsti durante tutta la durata dell'evento: visite guidate alla mostra in orario fisso, con o senza prenotazione, per piccoli o grandi gruppi e scuole di ogni ordine e grado. Per informazioni e prenotazioni: APC tel. 0286912297 fax: 028693046, dal lunedì al venerdì orario 10-15. Inoltre, l'Associazione Viafarini, in collaborazione con la Provincia di Milano, promuove nel mese di novembre due workshop a cura di due artisti partecipanti alla mostra: Maja Bajević (dal 3 al 5 novembre) e Adrian Paci (dal 23 al 25 novembre). I laboratori, che si terranno presso Viafarini, sono rivolti a quindici giovani artisti, su richiesta degli interessati.

La Provincia di Milano aderisce alla Giornata del Contemporaneo, sabato 14 ottobre 2006, organizzando l'iniziativa "Dietro le quinte: visita guidata ai lavori di allestimento della mostra Wherever We Go-Ovunque andiamo. Arte, identità, cultura in transito", che dà la possibilità a gruppi di dieci persone ciascuno, solo ed eccezionalmente per sabato 14 ottobre, di osservare direttamente, all'interno dello Spazio Oberdan, le fasi tecniche e pratiche della messa in opera del progetto espositivo, alla presenza dei due curatori e degli artisti. La visita è prevista ogni ora, alle 11.00, 12.00, 14.00, 15.00, 16.00 e 17.00. Prenotazioni telefoniche dal 10 al 13 ottobre al numero 02.77406313.

Wherever We Go - Ovunque andiamo
Inaugurazione lunedì 16 ottobre, ore 18.00; vernice stampa ore 11.30
dal 17 ottobre 2006 al 28 gennaio 2007
Spazio Oberdan, viale Vittorio Veneto, 2 - Milano
Tel. 02 77406300/6302
Orario 10-19.30; martedì e giovedì fino alle 22; chiuso il lunedì
Ingresso Adulti: ? 6,20; ridotto: ? 4,10; gruppi scolastici: ? 2,70
ingresso libero il primo martedì del mese
per maggiori informazioni consultare il sito www.provincia.milano.it/cultura
oppure Museo di Fotografia Contemporanea, Tel 02 6605661 www.museofotografiacontemporanea.org

Ufficio Stampa
Provincia di Milano/Cultura tel. 02 77406358/59/88 e-mail: p.merisio@provincia.milano.it oppure m.piccardi@provincia.milano.it
Museo di Fotografia Contemporanea; tel. 02 66056633 e-mail: ufficiostampa@museofotografiacontemporanea.org
Ilaria Gianoli, tel. +39 02 514406 ilariagianoli@tin.it Marta Colombo, tel. +39 340 3442805 martacolombo@gmail.com

Punta Perotti. Workshop artistico sul rapporto tra l'uomo e il mare

GAP SEZIONE SPECIALE
WORKSHOP SU PUNTA PEROTTI

dal 12 al 15 ottobre 2006| a cura di lia de venere, marilena di tursi, antonella marino | litorale da trani a bari-punta perottiie | promosso da assessorato alla pubblica istruzione e alle politiche giovanili del comune di bari


Nell'ambito della rassegna Gap-giovani artisti pugliesi - curata da Lia De Venere, Marilena Di Tursi e Antonella Marino col sostegno dell'Assessorato alle Culture del Comune di Bari, in collaborazione con le Accademie di Belle Arti di Bari e di Lecce e il contributo della Provincia di Bari e di diversi sponsor privati (Barili, Renauto, Saverio Lorusso Arredamenti, Siderurgica pugliese, Saicaf, San Paolo Banco di Napoli, Amerigus, Antonelli fotovideottica Vision Multistore Falegnameria Muolo, Home Vision Point Michele Ranieri)- l'Assessorato alla Pubblica Istruzione e alle politiche giovanili del Comune di Bari promuove un workshop rivolto a studenti d'arte e architettura, tenuto dal collettivo Stalker/Osservatorio Nomade (con la partecipazione di Lorenzo Romito, Pia Livia Di Tardo, Francesco Careri, Ketty Di Tardo, Peter Lang, Donatello De Mattia, Roberto Dell'Orco, Giorgio D'Ambrosio, Enzo Mansueto).

Il workshop, che si svolgerà dal 12 al 15 ottobre, vuole proporre una riflessione inedita sul rapporto tra Bari e il mare. Dalla relazione con il suo lungomare, dominato visivamente per anni dall' "ecomostro" di Punta Perotti, e con le persone che lo vivono, viene cercata infatti una risposta alla domanda: cosa può restituire Punta Perotti alla città e ai suoi abitanti?
L'esplorazione si estende a tutta la costa barese verso nord, ad altri meno conosciuti ecomostri e ostacoli visivi, attraverso un percorso via mare da Trani a Punta Perotti. Per quattro giorni e tre notti i partecipanti esploreranno in barca questo litorale, attraccando a terra in luoghi non convenzionali. L'obiettivo è di disegnare una mappatura della zona che attraversi anche le memorie e le esperienze della popolazione, tessendole in un racconto collettivo e cercando così di far emergere un nuovo immaginario possibile.

dal 12 al 15 ottobre 2006
litorale da Trani a Bari-Punta Perotti
per adesioni e informazioni Tel 338 5900914
pialivia@libero.it

Mostra in corso

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